Tamara de Lempicka

Tamara de Lempicka 

Tamara Rosalia Gurwik-Gorska, in arte De Lempicka, è stata una pittrice polacca,  che si ispirava alla corrente appartenente  dell'Art Déco. 

Figlia  di Boris Gurwik-Górski, un  avvocato agiato ebreo russo e di  Malvina Decler, una signora polacca è nata a Varsavia il 16   maggio 1898

In seguito alla morte prematura del padre, Tamara i suoi  fratelli con la madre si trasferirono a casa della nonna Clementine.

Nel 1910 sua madre ordina un ritratto a sua figlia, ma a Tamara  non piace il risultato, essendo convinta di saper fare meglio, costringe sua sorella Adrienne a posare per lei, il risultato è molto soddisfacente.

La scuola la annoia, e lei finge di essere malata. Riesce a ingannare tutti coloro che le sono intorno, tanto che viene ritirata dalla scuola. Questo gli permette di accompagnare sua nonna in Italia, ha la possibilità di visitare le città d'arte, e di scoprire la passione per l'arte.

 Nel 1914 Tamara prese lezioni a Losanna.

 Non approvando il secondo matrimonio di sua madre, si rifiuta di tornare a casa di sua madre durante le vacanze estive, trascorre l'estate a San Pietroburgo con sua zia Stefa.

Durante una festa conosce il giovane avvocato Tadeusz Lempicki, e se ne innamora. Decisero di sposarsi  nel 1916, poco prima dello scoppio della rivoluzione russa.

La  Rivoluzione Russa  è in atto, sono circondati dalla miseria, ma i Lempicki continuano la loro vita di lusso. Solo un anno dopo, il marito viene arrestato, era un militante controrivoluzionario, ma, grazie alle relazioni della moglie, che  ai suoi tempi, era molto conosciuta, più per la  mondanità, che per la sua pittura, viene presto liberato in seguito all'intervento del console svedese.

Successivamente, la coppia si trasferì a Copenaghen  dove già si trovavano i  famigliari di Tamara, in seguito emigrarono a Parigi, ma i cambiamenti hanno influito sul loro tenore di vita, il marito di Tamara si rifiuta di lavorare, non accetta di modificare il proprio modo di vivere, non sopporta di dover rinunciare ai privilegi. Hanno una figlia Kizette, Tamara decide di iniziare una carriera come pittore per sostenere la famiglia. Nel 1920 prese lezioni di pittura all'Académie de la Grande Chaumière, poi  prenderà lezioni da  André Lhote e Maurice Denis.

Tamara ha un proprio stile, unisce lo stile decorativo, a quello sensuale quasi scultoreo, è una grande appassionata di Pontorno, prende spunto dalle rotondità e le tonalità tipiche, della pittura di Ingres, dal post-cubismo costruttivo e sintetico

 del suo maestro Andrè Lhote, ma subisce anche l'influenza dal cubismo.  

Diventa popolare,  si costruisce un personaggio e inizia a fare scandalo.  Rivelerà la sua bisessualità, mettendo in mostra  le sue travolgenti passioni, tutto questo, solo per mantenere un posto, nello scenario attraente di quegli anni.

 La serie di pitture dedicata a “ la belle Rafaëla” è il risultato dell’amore ossessivo dell’artista per una donna. presenta un ritratto al Salon d'Automne, ottiene in poco tempo un meritato successo, consentendole un rinato stile di vita. 

Nel 1922,  presenterà un olio su tela intitolato le due amiche, dalle linee talmente dure  da far sembrare le due protagoniste come due manichini inanimati e inespressivi.

 Lo sguardo freddo e distaccato delle donne,  è il racconto di un amore  tra due donne, il tema è provocatorio e ha richiami rigidi del cubismo.

Adamo ed Eva 

Le sue tele rappresentano ricchi industriali, emigranti russi,  il bohémien parigino del suo tempo: Andre Gide,

 la donna più dipinta al mondo Suzy Solidor, 

frequenta Paul Poiret o Georges Braque.

Nel 1925 con la madre e la figlia torna in Italia, studia i classici, a Milano, conosce il conte il conte Emanuele Castelbarco, proprietario della galleria d'Arte e poesia  che le organizza una sua prima mostra personale, Gabriele D'Annunzio la corteggia e la ospita,al vittoriale  ma a Tamara interessa solamente di poterlo ritrarre cosa che non è avvenuta. 

Amò però anche ritrarre se stessa, come nel celebre "Autoritratto" del 1929 in cui si rappresentò, bella, seducente, ricca e annoiata, a bordo di una lussuosa Bugatti verde, rappresentando così la modernità, il lusso e la velocità il perfetto stile dei  ruggenti anni venti,  il ritratto è stato utilizzato per la  copertina di luglio della celebre rivista tedesca “Die Dame”. Diventa il manifesto di un’intera epoca, con lo sguardo altero, si rivolge allo spettatore dando  l'immagine  della donna emancipata e indipendente, mentre il viso dalle linee delicate, contrasta con l'immagine geometrica del foulards

Kizette al balcone è un quadro del 1927, sua figlia che  le fa da modella, rappresenta una bambina al balcone seduta su uno sgabello, la posa della bambina è sicuramente simile ad un ritratto del Bronzino che fece a Bia de Medici, mentre nello sfondo il paesaggio risulta appiattito e le tonalità tenui  risaltano il candore e la purezza della bambina  tonalità.

Nel 1928  divorzia dal marito e nel 1933 si risposa col barone  Raoul Kuffnerper. Con il matrimonio raggiungerà una  nuova posizione sociale, ottiene la fama e la ricchezza a lungo desiderata, non  avrà più bisogno di dipingere per vivere e trascurerà il mondo artistico perdendo di vista le sempre continue evoluzioni dell' arte. Intorno al 1930 lo stile art-deco passa di moda,  quello stile era il modo con cui identificarsi .

Nell'estate del 1939, per sfuggire alla guerra, i coniugi Kuffner partono per New York, dove Tamara organizza una personale alla galleria di Paul Reinhardt.

In seguito ad una crisi interiore decide di dedicarsi a numerosi impegni umanitari, continua però  ad allestire mostre a New York, Los Angeles e San Francisco.

St Moritz

Dopo la guerra, ebbe un periodo di silenzio,  in questi anni realizzò  una serie di composizioni astratte,  seguiti da dipinti a spatola che non ottengono buoni pareri  dalla critica. fino al  1957, quando presenterà  le sue nuove opere a Roma alla Galleria Sagittarius.

Era solita dire: Sono stata la prima donna a dipingere in maniera chiara e pulita: questo è il segreto del mio successo. Un mio quadro può essere subito riconosciuto tra altri cento…Il mio stile attirava subito l’attenzione: era chiaro, era perfetto.

Avevo un principio non copiare mai. Creare un nuovo stile, colori chiari luminosi, scoprire l'eleganza nascosta nei tuoi modelli  

Tamara de Lempicka ha voluto lasciare l'immagine di una donna trasgressiva ed egocentrica, anticonformista, non voleva regole ma ne fissava di nuove e le imponeva in modo disinvolto, ma quello che non sapevamo e che da recenti ricerche è stato appurato  che Tamara de Limpicka aveva prodotto una collezione molto più intima, personale  a soggetto religioso, sulla base di dipinti di Michelangelo e del Bernini,

 quindi se in pubblico amava stupire, in privato aveva una forma di credo religioso? oppure con opere così importanti voleva mettere alla prova, la propria abilità come artista?

Una cosa certa è stata appurata,  Tamara De Lempicka, dopo il divorzio dal primo marito ha sofferto di un profondo stato di depressione  che si manifestava  in seguito a fasi alterne, tanto che il secondo marito nel 1936 si rivolse ad uno psichiatra affinchè la  aiutasse....

Lontano dai riflettori sotto i quali aveva pianificato un'immagine e un copione da recitare, mentre nel privato la fragilità che è  nell'essere umano la rendevano una donna comune .... anche se ha sempre ricercato, rinnovato, dando ai soggetti tradizionali, una forma espressiva particolare

   

Rosalba Carriera

                                                                          Rosalba Carriera


Una signora che ho avuto il piacere di conoscere mi ha parlato di questa pittrice di cui  io, non avevo mai sentito parlare

Una delle donne che ha avuto un ruolo importante, nella storia dell'arte  nell' Europa del 1700, è stata Rosalba Carriera.

Nata a Venezia nel 1645, da genitori benestanti, il padre era un impiegato presso il podestà della Repubblica di Venezia,  la madre era una merlettaia.
 Rosalba  iniziò il suo cammino artistico realizzando modelli di pizzo per la madre, che lavorava in questo mercato.
Educata in famiglia a coltivare le arti, Rosalba e le due sorelle studiarono musica, letteratura, pittura, ricamo e lingue straniere.
I genitori, e in particolar modo la madre, si erano accorti della sensibilità artistica delle figlie, tutte tre erano pittrici, le incoraggiarono e  permisero loro di studiare con  i più bravi maestri dell’epoca.
I primi studi nella pittura, Rosalba li fece sotto l'insegnamento di Giannantonio Vucovichio Lazzari, maestro in pittura sacra, e in ritratti pastellati, purtroppo, per il lavoro  del padre, molto spesso la famiglia, era costretta a cambiare residenza, presso le cancellerie sulla  terraferma. 
Malgrado l'assenza del maestro, Rosalba approfondì gli studi ottenendo rapidi progressi, progredendo  nell’arte del dipingere, ma non trascurò lo studio sulle lingue, lettere e  la musica. Ritornata con il padre a Venezia in modo stabile, potè perfezionarsi nei suoi studi prediletti, specialmente nella miniatura, nella quale riuscì in modo eccelso. 

Lo studio delle miniature, era una tecnica difficile e abbandonata, la perfezionò, fu la prima pittrice a portare nelle miniature il tratto veloce della pittura veneziana, scegliendo volutamente  di non seguire  le regole accademiche, che volevano tratti e puntini brevi.
Con la diffusione del tabacco da fiuto, un'usanza molto in voga anche fra le signore, iniziò a dipingere miniature per i coperchi delle scatole da tabacco, figure di damine graziose che  divennero la sua fortuna, fu la prima  artista  a dipingere sull'avorio e sull'osso, da alcune annotazioni trovate nella corripondenza che riceveva e inviava, di cui ne faceva sempre una copia, si hanno notizie certe che nel 1700,  Rosalba Carriera dipingeva su scatoline da tabacco da fiuto che rivendeva ai turisti.

Sfruttando l'amicizia del suo amico inglese Christian Cole, venne ammessa alla Accademia nazionale di San Luca a Roma, con l'opera  "Fanciulla con colomba".

Rosalba oltre alle miniature, si  perfezionò nei ritratti a pastello, i suoi primi lavori con la tecnica a pastello, si collocano nel periodo in cui frequentò la bottega del uno dei suoi  maestri, Giuseppe Diamantini e quella di Antonio Balestra. La scelta di far rinascere la  pittura a pastello, ormai decaduta da molto tempo e  quasi  dimenticata, fu supportata dall'amicizia  con Anton Maia Zanetti detto il vecchio,

Anton Maria Zanetti 

 conosciuto dai collezionisti  a livello internazionale. 

ragazza con la maschera 

Proprio in questi anni nasce un nuovo stile, il rococò, il quale predilige la rappresentazione di scene spensierate, in cui delicatezza, eleganza e gioiosità la fanno da padrona.
Rosalba va affermando sempre di più la sua arte e non ha nulla in comune con l'immagine della donna frivola  che hanno le sue coetanee.
Con la sorella  ha  creato una sorta di circolo letterario-culturale a cui appartengono  personaggi di spicco nell'ambiente artistico letterario veneziano, tra cui altre due pittrici, Felicita Sartori

Felicita Sartori

 e Marianna Carlevarijs,

 la contralto Faustina Bordoni Hasse, 

la poeta Luisa Bergalli, la ballerina Barbara Campanini, la contessa Caterina Sagredo Barbarigo,

caterina sagredo Barbarigo

donne emancipate e progressiste si sono conquistate le libertà negate alle donne di quei tempi.
Rosalba e sua sorella, decisero di dedicarsi totalmente all'arte, non si sposarono e rimasero sempre insieme.
In breve tempo, riuscì a farsi conoscere dapprima a Venezia e poi  in tutta Europa per i raffinati ritratti, trattati con un tocco leggero e con tonalità delicate, che conferivano  ai modelli grazia ed eleganza. 
Viaggiatori stranieri in visita a Venezia, figli di nobili e diplomatici, principi e principesse, le commissionavano ritratti e si recavano presso il suo modesto studio per ammirarne i suoi capolavori.
A Venezia fece il ritratto di Federico III di Danimarca, di Federico Augusto III,

augusto III

 del duca Carlo di Baviera, del principe di Mecklemburgo.
Un anno dopo la morte del padre,  nel 1720, fu invitata  come  ospite dal mecenate Pierre Croizat a Parigi, rimase  per un anno con tutta la sua famiglia, la mamma, le sorelle e il cognato  Antonio Pellegrini, conobbe così Antoine Watteau,

Antoine Watteau

noto conoscitore di quadri, che divenne suo amico.
La pittura di  Rosalba, seppur lontana dalle regole accademiche, riuscirà ad influenzare profondamente il modo di ritrarre nella Francia  nel 1700.
A Parigi fece ritratti  a tutta la famiglia reale,  giungendo a ritrarre perfino il re di Francia Luigi XV, 

 nel suo diario, in data 1 agosto 1720 si legge: “Ebbi ordine da parte del Re di fare in piccolo il ritratto della Duchessa Vantadour: ed in questo giorno ne cominciai uno piccolo dello stesso Re”.
A Parigi, venne ammessa con  una votazione  all’ unanimità all’ Académie royale de peinture et de sculpture.... entro'  così  a far parte dell'accademia reale.

Melchior de Polignac 

Scriveva nel diario il 26 ottobre  - Mi fu data la lettera dell’Accademia, e la nuova di essere stata ricevuta a piene voci senza essere stata ballottata”.Ed ancora “9 novembre - Andata la prima volta all’Accademia dove M.r Coypel ( primo pittore del Re) fece un breve ringraziamento agli Accademici, li quali mi accolsero colla maggior cortesia”.

horace Walpole 

A Parigi tiene un Diario dove annota con grande precisione tutti i fatti avvenuti durante il suo soggiorno.
Riconosciuta e stimata da  grandi mecenati che apprezzavano la sue  opere:  Federico IV, re di Norvegia e Danimarca, Massimiliano II di Baviera, Augusto III, re di Polonia... viaggiò molto fu accolta dalle corti di tutta Europa, riscosse meriti e riconoscimenti
Ritornata in Italia per 4 mesi soggiornò presso la corte del ducato di Modena,  ritraendo a pastello tutta la famiglia.

ragazza col pappagallo

Nel 1735, si trasferì a Vienna alla corte degli Asburgo, dove lavorò alacremente.
Rientrata in Italia, continuò con la pittura.

primavera 

estate

flora 

autunno

Della sua pittura colpiva, il modo unico di rappresentare, la cura attenta, quasi eccessiva,  che riusciva  a trasmettere sulla tela,  gli aspetti profondamente  reali  dei   volti , le espressioni,  delle persone che ritraeva,  una pittura reale  senza ipocrisia come nel  "Ritratto di signora anziana" in cui dipinge in modo evidente il porro della signora, ritratta in modo  dolce. 

Nei suoi ritratti femminili le pose sono delicate, era molto sensibile nel riprodurre le pieghe degli abiti, la morbidezza dei tessuti, le perle,  le trine e i merletti.
Le opere di Rosalba che suscitarono più curiosità furono i suoi autoritratti perché sono un racconto interiore, personale psicologico, si è ritratta dalla giovinezza spensierata, nel quadro del 1709, che è conservato agli Uffizi, dove rappresenta se stessa mentre dipinge la sorella,

 

  fino a quello del 1746 dove traspare  il proprio malessere, fisico e interiore, il volto invecchiato e rigido, duro e gli occhi tristi, indossa una corona di alloro, in quest'opera ci racconta il suo dolore e la delusione, dopo un intervento alle cornee non riuscito in cui le complicazioni aggravarono la sua cecità... 

 

 Alcuni di questi autoritratti sono conservati a Venezia al museo del settecento a Ca' Rezzonico, mentre altri fanno parte di collezioni sparse nei musei d'Europa.
la collezione reale di Windsor;

lady with-a -Parrot

Rosalba iniziò a fare la doppia riproduzione dei suoi quadri: il Re di Francia Luigi XV fu il primo, poi seguirono il figlio di Law  e Filippo II d’ Orleans.

Col passare del  tempo coi suoi duplicati,  aveva formato una piccola galleria, oltre alle copie, c'erano parecchi medaglioni  di figure storiche che il re di Polonia Augusto III,  volle acquistare,  che sono custoditi ancora oggi  alla Pinacoteca di Dresda 'Alte Meister'..che non ha eguali in tutto  il mondo: Qui si trova  il bellissimo ritratto di Barbara Campanini, 

  la giovane donna appare, in tutto il suo splendore: leggermente posta di tre quarti, con grazia sorregge un lembo dell ' abito, quasi per far intuire l 'accenno a un primo passo di danza. 
Intorno al   1746 iniziò  manifestarsi  una malattia agli occhi, Rosalba  si sottopose ad un intervento alle cornee che  ebbe un esito negativo, tanto da aumentarne le complicazioni, fino a portarla alla totale cecità , da tale momento dovette rinunciare alla sua arte, subentrarono disturbi emotivi importanti tanto da  raggiungere uno squilibrio mentale.
I suoi ultimi anni furono molto tristi,  morì nella parrocchia di San Vio, il 15 aprile 1757  (Santi Vito e Modesto) a Venezia.
Presso L’accademia delle belle arti di Venezia ci sono due dei suoi dipinti per dono generoso di Girolamo Ascanio Molin 
Nel 1838, il critico d’arte, Tommaso Locatelli, lesse un “Elogio” nei riguardi di Rosalba, all’ Accademia delle Belle Arti di Venezia: “Questa maniera di dipingere, fra gli altri suoi pregi, ha singolarmente quella della morbidezza nella carnagione in modo che i nudi così dipinti riescono appunto a chi li vede come se fossero  carne vera, e vive forme impastate dalla mano stessa della natura. Lavoro in vero difficilissimo, ma condotto dalle maestre dita della valente Rosalba al sommo grado di perfezione.

Un recente studio su questa donna eccezionale, ha prodotto un interessante romanzo storico della scrittrice Valentina Casarotto dal titolo
 Il segreto nello sguardo

Le parrucche degli uomini

                            Le parrucche degli uomini


 Questo scritto è iniziato da una curiosità,  molte personalità importanti  della società, come principi, prelati, letterati, condottieri, venivano ritratte con la parrucca, mi sono chiesta perchè...
La storia della  parrucca per il sesso maschile, è strettamente legata ad una malattia devastante che dopo la peste, divenne una delle più grandi epidemie che attraversava tutta Europa, la sifilide.....
Le prime notizie che riguarda questa devastante malattia risalgono al XV secolo. Il morbo della sifilide si è diffuso  in Europa, e in particolare in Italia, intorno al  1494, quando  il sovrano francese, Carlo VIII  rivendicando   i propri diritti sul regno di Napoli, scese  in Italia accompagnato da un  grande esercito formato da soldati e i mercenari francesi, spagnoli, svizzeri e tedeschi e da un gran numero di donne, la maggior parte delle quali erano prostitute. Secondo le cronache dell’epoca,  gli Stati Italiani, si allearono  con Massimiliano d'Asburgo, il Papa,  e il Re di Spagna, per contrastare l'avanzata del reale francese. Sul nostro territorio giunsero  vari eserciti, in particolare soldati di origine spagnola, che  tornati dall'  america con Cristoforo Colombo avevano contratto il morbo.
La malattia si diffuse  con molta velocità attraverso i rapporti sessuali promiscui, la prostituzione, la scarsa igiene personale, delle case e collettiva, ovunque giungevano le truppe di Carlo VIII, con i loro comportamenti disinibiti, lasciavano nelle popolazioni, un male che era completamente sconosciuto.  A Firenze, Bologna, Pisa, Ferrara  e Napoli, il morbo  mieteva un gran numero di vittime.
Nel corso dei secoli, la sifilide non e stata mai debellata. William Clowes, medico, nel XVII secolo scriveva di una “moltitudine infinita” di pazienti con la sifilide, tanto da riempire gli ospedali di Londra, senza gli antibiotici,  i malati avevano  ferite aperte, eruzioni cutanee, cecità, demenza, e la perdita di capelli a chiazze”.
In quell'epoca i capelli lunghi,  determinavano lo stato sociale,  il livello di ricchezza personale o di potere.
La perdita dei capelli poteva danneggiare  la reputazione di una persona,  per gli ammalati di sifilide era diventata una necessità nascondere la calvizie con le parrucche,  molto spesso nascondevano anche le piaghe che si manifestavano sulla cute del viso, del collo. Le parrucche ricoperte di cipria profumata alla lavanda o all'arancio,  servivano a coprire i cattivi odori della putrefazione.

Luigi XIV, re di Francia, iniziò da giovanissimo a perdere i capelli, aveva solamente 17 anni,  nel 1655 la preoccupazione per la sua reputazione lo spinse ad assumere ben 48 fabbricanti di parrucche, anche suo cugino Carlo II d'Inghilterra, iniziò ad usare le parrucche perchè i suoi capelli diventavano grigi.

 Diventò una moda: reali,  aristocratici, uomini di corte, iniziarono a copiare i due Re. Nelle  prime parrucche  le ciocche di riccioli  cadevano naturalmente sulle palle e sul dorso, 

ma come  sempre accade il costo delle parrucche aumentò, la parrucca  era il mezzo per manifestare la propria ricchezza e il proprio potere, c'erano parrucche per tutti i giorni, il cui costo si aggirava intorno ai 25 scellini, la paga settimana di un comune londinese, intorno al 1860  le parrucche erano sempre più grandi, più elaborate e lunghe fino a coprire il busto, vere e proprie impalcature  adatte  a serate importanti a corte.che arrivavano fino a 800 scellini, ma servivano anche per riconoscere personaggi snob o con inclinazioni sessuali diverse,  erano estremamente pesanti e spesso scomode. Così le parrucche diventavano  molto costose da produrre specialmente se create con capelli umani, ma l'uso del crine di cavallo e di capra ma soprattutto di yak, era diffuso perché molto più economico.

Anche dopo Luigi XIV e Carlo II le parrucche hanno continuato ad essere usate. 
Nel 700, iniziò un periodo di cambiamento per i soldati era molto scomoda la moda delle parrucche con i lunghi riccioli sciolti , li raccolsero così in una piccola bora di seta dietro la testa,  lasciando solo qualche ricciolo ai lati della testa, anche Luigi XV  Re di Francia,decise di seguirla e di imporla ai suoi cortigiani, 

l'igiene personale a quei tempi era scarsa e paradossalmente, le parrucche  risultavano molto più pratiche  quando  i pidocchi  affliggevano  l'uomo, la persona  poteva  radersi i capelli,  e ricoprirsi con la parrucca,  ed era molto più semplice disinfestare una parrucca infestata  dai pidocchi  che una testa piena di capelli, bastava semplicemente  mandare la parrucca dal proprio fabbricante per far rimuovere le uova dei pidocchi con un lavaggio nell'acqua bollente. 
Verso la fine del  millesettecentocinquantacinque, i riccioli laterali divennero più piccoli si potevano intravedere le orecchie e dietro la testa erano raccolti con un nastro..  

 Ci fu un'altro cambiamento, con Luigi XVI i riccioli divennero due boccoli messi in modo orizzontale sui lati della testa mentre i capelli sulla nuca venivano pettinati all'indietro rendendo molto più sobria ed elegante la figura.

 La parrucca cadde in disuso, la rivoluzione francese tagliò le teste e anche le parrucche  e la moda adottò i capelli corti naturali.  A Londra nei tribunali,  giudici e gli avvocati della sede penale   utilizzarono la parrucca  come segno di uniformità, fino al 2008

Artemisia Gentileschi

                                                         ARTEMISIA  GENTILESCHI

Nel 2020, alla National Gallery di Londra sarà dedicata una mostra ad Artemisia Gentileschi, nel 2017, il museo di Trafalgar Suqare ha acquistato l' "Autoritratto come Santa Caterina d'Alessandria", erano anni che la pinacoteca di Trafalgar  Square, voleva possedere un'opera antica di questa pittrice, nonchè  donna , una figura fuori dal comune. 

autoritratto come  Santa Caterina d'Alessandria 

Artemisia Gentileschi, Roma 1593 - Napoli 1653, è stata  una  pittrice del 600, divenuta nel tempo una delle più importanti e apprezzate firme nel panorama europeo.
Primogenita del pittore Orazio Gentileschi e di Prudenzia Montone, morta di parto quando Artemisia aveva solo dodici anni. Cresciuta nell'ambiente artistico romano, pur essendo molto giovane, pur dovendo accudire alla casa e ai suoi fratelli, possedeva  un  naturale  e spiccato talento pittorico, artistico.
Il padre, un autorevole artista autonomo, attento alle vicende artistiche dei suoi tempi, dopo  compreso il classicismo naturalistico dei Carracci, la pittura di Orazio assimila gradualmente l'insegnamento di Caravaggio e si impadronisce della tecnica di osservazione dal modello, ma in modo del  tutto personale. 

Giuditta e la sua ancella 

Artemisia, aveva una grande ammirazione per il padre, venne formata  proprio sotto la sua guida, innanzitutto insegnandole come preparare i materiali utilizzati per la realizzazione dei dipinti,: la macinazione dei colori, l'estrazione e la purificazione degli oli, il confezionamento dei pennelli con setole e pelo animale, come approntare le tele, come ridurre  in polvere dei pigmenti. Imparò la pittura dentro le mura di casa, non potendo seguire alcun corso, che erano consentiti  solamente ai pittori di sesso maschile. Perfezionò il suo talento e la sua tecnica, copiando xilografie di Albrech Durer o i dipinti che il padre aveva in bottega.

Artemisia Gentileschi

Nella importante bottega di Orazio lavoravano, con Artemisia e altri pittori, anche i suoi sei fratelli. Il  suo insegnante di prospettiva, Agostino Tassi, che  collaborava con  Orazio, alla decorazione di Palazzo Pallavicini Rospigliosi a Roma, la violentò. 
All’ epoca era possibile estinguere il reato di violenza carnale , qualora vi fosse il matrimonio riparatore. Per questo, Artemisia continuò a intrattenere una relazione con Tassi, nella speranza che le nozze salvassero la sua reputazione.Quando la ragazza scoprì che Tassi era già sposato.
Decise dunque di intentare un processo nei confronti del suo stupratore.(1612)
 La sua deposizione fu fatta sotto tortura, mentre le venivano schiacciate le dita.
Il Tassi, uscì dal processo indenne mentre per Artemisia e la sua famiglia fu molto difficile.

conversione di Maddalena 

Artemisia dovette combattere a lungo contro i pregiudizi, e le voci sgradevoli messe in giro sul suo conto, venne accusata di rapporti incestuosi con il padre Orazio, di avere numerosi amanti ed una condotta disdicevole. Lasciò Roma  per mettere a tacere le maldicenze, il giorno dopo la fine del processo sposò un artista fiorentino, Pierantonio Stiassesi. 
È a questo periodo che risale una delle sue opere più note: Giuditta che decapita Oloferne (1612 – 1613). 

Giuditta decapita Oloferne 

Salta all’occhio il diverso ruolo della donna. Se in "Susanna e i vecchioni" era una vittima, qui agisce e si vendica.

Susanna e i vecchioni

Dopo il matrimonio  viene accolta, contrariamente al marito, presso l’Accademia delle arti del disegno di Firenze,  è la prima donna a ottenere  un tale  riconoscimento. 
Dalle famiglie fiorentine benestanti, dai nobili, famiglia Medici compresa, ottiene importanti commissioni instaura un' amicizia ricca di stima reciproca con Galileo Galilei, e con Michelangelo Buonarroti il giovane,che le aveva commissionato un tela per onorare un suo illustre antenato, intrattiene una corrispondenza, Artemisia aveva da poco imparato a leggere e scrivere.

Nel 1621 per un breve periodo, si trasferisce a Genova, torna a Roma come donna indipendente, allontanandosi definitivamente dal marito, e portando con sé la figlia Palmira.
Si  trasferisce a Venezia,  tra il 1627 e il 1630, alla ricerca di nuove commissioni. Ritorna Napoli,  nel 1636, parte per Londra, raggiunge il padre alla corte del re Carlo I e della regina Henrietta Maria, in quell’occasione collabora artisticamente con lui, dipingere il soffitto della Queen's House a Greenwich (ora a Marlborough House, London) che ha come tema l'Allegoria della Pace e delle Arti sotto la Corona Inglese.
Orazio Gentileschi morirà il 7 febbraio del 1639.
Una delle sue opere più conosciute e raffinate fu realizzata in questi anni è: l'Autoritratto come allegoria della pittura,  Collection of Her Majesty the Queen, Kensington Palace, London, 1630, nel quale dimostrò una grande  capacità  con la tempera ad olio, disegnando lei stessa mentre stava dipingendo, circondata dagli strumenti della pittura,  un autoritratto abbastanza insolito per i suoi tempi.Un'altra cosa insolita sono le cifre del proprio nome, proprio per evitare che qualcun'altro ne assumesse la paternità, il volto e la sigla indicavano che l'opera era sua. Infatti in quell'epoca i quadri raramente venivano siglati o firmati. L'opera fu acquistata da Re Carlo I d'Inghilterra tra il 1639 e il 1649.

Nel 1642, con lo scoppiare della guerra civile, Artemisia lascia l’Inghilterra e, dopo altri spostamenti di cui si ha scarsa conoscenza, torna a Napoli dove muore nel 1653.
Da sicura professionista dell’arte  aveva emozioni forti, principi di dolcezza e di aggressione, affrontava  le  atmosfere più intime, per questo è considerata la pittrice del " barocco".
Affrontava  soggetti sacri e storici, impianti monumentali, con padronanza della pittura, abbracciando la lezione di Caravaggio,  nell'impostazione del quadro, impostando un taglio diretto e drammatico col visitatore, con contrasti tra luce, forme e colori.