EMILE MUNIER

Il padre di Emile Murnier, faceva il tappezziere, fece frequentare inizialmente le scuole pubbliche ai propri figli, che come Emile, avevano il dono di saper disegnare. Insieme, i fratelli vennero iscritti a corsi di pittura, anatomia, prospettiva, chimica (per la tintura della lana), il fine ultimo era, per la famiglia, quello di diventare artista tappezziere, e contribuire così all'attività famigliare.

Nel 1854, realizzò a pastello uno splendido autoritratto, seppure fosse solamente un adolescente.

Proprio durante un corso di disegno, con il maestro Abel Lucas. Emile si innamorò della figlia, Henriette.

Emile, e la ragazza, si sposarono nel 1861 ed ebbero due figli,

 continuò a lavorare nella bottega del suocero, migliorando le proprie capacità, studiando pittura accademica, per raggiungere competenze specifiche. Traeva ispirazione, proprio osservando i propri figli, trasmettendo sulla tela, il mondo dei bambini, che non è facile rappresentare i movimenti rapidi ed imprevedibili, le espressioni di raccapriccio, di felicità e anche di malizia, gli atteggiamenti particolari di cui molto spesso i bambini, sono autori e soggetto. 

 Emile Munier, li rappresenta in modo preciso, la spontaneità dei bambini, viene rappresentata con bravura impeccabile.

Si riesce a notare la differenza tra il suo stile e quello del rinascimento, dove i bambini sembravano piccole statue messe in posa.

Riusciva con eleganza e abilità a trasmettere la vitalità e la delicatezza degli atteggiamenti dei bambini, mantenendo vivo lo spirito che ogni bambino trasmette a tutti noi.

Ha rifiutato la pittura in "plein air", che gli impressionisti cominciavano a divulgare, per rimanere ancorato allo studio della pittura accademico, con una grandissima sapienza compositiva e tecnica,tanto da creare opere splendide.

Munier, era un appassionato estimatore e studiava le opere di Boucher, e di William Bouguereau. L'assidua frequentazione di Munier con Bouguereau nel tempo, divenne amicizia, il maestro ne divenne il mentore, tanto che.....nel 1860, al giovane Munier, vennero riconosciuti meriti artistici e venne premiato con tre medaglie mentre nel 1869, ottenne un successo di pubblico e di critica esponendo le proprie opere al Salon de Beaux-Arts, ma nel 1871 decise di dedicarsi alla pittura e all'insegnamento della pittura

La frequentazione fra Munier e Bouguereau, continuò assiduamente, il loro rapporto divenne confidenziale e di fiducia , Bouguereau, chiamava l'amico con un soprannome .."Le Sage Munier" ( il saggio Munier), canzonandolo bonariamente in quanto era notoriamente una persona molto seria.

Rimane vedovo molto presto, si risposa poco dopo con Sargine Augrand, conosciuta presso l'atelier di pittura del suocero.

Inizia per Emile Munier un periodo particolarmente felice, trasferitosi al n° 8 di Rue des Beaux Arts, in un palazzo abitato esclusivamente da pittori, fra cui Corot, e Fantin-Latour .

Nel 1874 nasce la terza figlia, a cui dedica la sua opera migliore:

Gattini

Con la famiglia trascorrevano le vacanze estive sulla costa della Normandia,  qui Emile fu molto prolifico, molti sono i disegni e gli acquerelli, raffiguranti scene marine, di barche e pescatori.

 Scoprì nel 1879, l'Ecole de Nancy, in occasione di un viaggio estivo alle Ardenne, conobbe Emile Gallé, iniziò una prolifica collaborazione.

La fonte principale di ispirazione furono i figli, fin dalla loro nascita, continuò a dipingere quadri di genere, fino alla fine della propria vita, mettendo sulla tela l'eleganza e il sentimento

Nel 1882, dipinse la bimba e la bambola,

mentre nel 1885, al Salon de Beaux Arts, espose tre amici, il dipinto rappresenta una bambina mentre gioca sul letto con due cuccioli.

 L'opera ottenne un grande successo divenne il simbolodi manifesti pubblicitari per il sapone Soap Pears.

Con questo lavoro Munier, ottenne riconoscimenti come miglior pittore contemporaneo dell'infanzia e degli animali domestici.

Un collezionista americano acquistò l'opera e Munier divenne famoso anche oltreoceano. 

Tanto che i cogniugi Chapman ne divennero grandi collezionisti delle sue opere che ora si trovano per lo più esposte al museo dell' arte di New Orleans. Non ritrasse solamente bambini, ma anche giovani donne, soggetti religiosi, e mitologici

Nel 1893 espose al al salone di Parigi "Lo Spirito della Cascata, una ninfa nuda (che è molto simile alla Nascita di Venere di Bouguereau), partecipando e ottenendo una medaglia d'oro all'esposizione internazionale di Chicago.

Morì due anni dopo nel 1895, lasciando come eredità, il fascino dell'innocenza dei bambini, trasmessa su di una tela, rimandando immagini senza tempo dove molti di noi si sono identificati

Sofonisba Anguissola

Guardare un quadro, è una cosa normale lo si fa quotidianamente, perdersi nell'immagine è una cosa ben diversa.. e quello che mi capita, non avendo io una preparazione specifica.

Andar per mostre, molto spesso a tema, dove mi è capitato di trovarmi davanti ad un quadro che non avevo mai visto, del quale non conoscevo l'autore, eppure mi rapisce, mi perdo col pensiero.

SOFONISBA ANGUISSOLA

Sofonisba Anguissola è una delle più mature e prolifiche esponenti della pittura europea del 500.

La pittura rinascimentale, veniva riservata per lo più ad artisti maschili, i pregiudizi morali del periodo, non consentivano per esempio, ad una donna di assistere a lezioni di nudo, per questo motivo, poche sono state le presenze femminili, che sono riuscite a superare diverse limitazioni e ad imporsi nel panorama artistico dell'epoca, raggiungendo una discreta notorietà anche all'estero.

autoritratto

Una delle più importanti fu certamente Sofonisba Anguissola, primogenita di una importante famiglia dell'aristocrazia lombarda.

Grazie alla posizione benestante della sua famiglia, rivevette una educazione di stile umanistico. Il padre, amante dell'arte concesse a Sofonisba, e alle altre figlie, anch'esse ricche di talento, la possibilità di studiare, letteraura, pittura e musica, non furono però contemplati lo studio della matematica, della prospettiva e della tecnica dell'affresco che rimanevano ancora prerogativa di pittori di sesso maschile....

Nata a Cremona nel 1532, la data non è certa, fu inviata dal padre, come apprendista presso il celebre pittore della città Bernardino Ciampi, Sofonisba continuò poi i propri studi, con Bernardino Gatti detto il Sojaro, la prima opera della ragazza fu infatti un ritratto del maestro che era intento a dipingerla nel suo studio, un gioco di specchi tra soggetti, dipinti ed esecutori

Il padre fece molto di più, per consentire alle figlie di ricevere la notorietà che meritavano, contattò i più conosciuti esponenti della pittura di quel tempo, lo testimoniano le lettere indirizzate al grande Michelangelo che sono conservate nella Biblioteca Laurenziana di Firenze.

ritratto di una suora 

Tanto che nel 1554 , Sofonisba, fece un viaggio a Roma, conobbe Michelangelo, il quale si mostrò veramente disponibile nei confronti della giovane apprendista, tanto da consentirgli di studiare i suoi lavori più importanti, e dispensò validissimi consigli sulle tecniche pittoriche.

Sofonisba lo ringraziò regalandogli un piccolo disegno raffigurante un bambino morso da un granchio.

 L'occhio esperto del grande maestro fu favorevolmente impressionato.

Sofonisba si specializza per lo più nei ritratti della propria famiglia, 

autoritratto alla spinetta

introducendo delle novità, elementi che trasformavano il ritratto, in pittura di genere, ritrae con naturalità le sorelle, con i colori vivi, con volti straordinariamente somiglianti, dipingendo con minuzia i particolari alcuni oggetti, un libro aperto,un guanto un gioiello, che raccontano anche la storia del soggetto raffigurato.

ritratto di famiglia 

Nel ritratto "La partita a Scacchi" ritrae le sorelle Lucia , Europa e Minerva,  intente ad un amichevole gioco in giardino, fa trasparire la tenerezza e la vitalità della sua famiglia.

Le prime due, Europa e Lucia, esercitarono la professione artistica per qualche tempo, mentre Minerva divenne un’apprezzata latinista, un ulteriore apprezzamento della mentalità aperta del padre Amilcare.

ritratto di dama la madre   (Bianca Ponzoni Anguissola), 1557. Berlino, 

I meriti sui lavori di Sofonisba son documentati:

Annibal Caro in una lettera del 14 luglio 1556 scrisse

«le cose sue son da principi» .

Nel 1566 il Vasari in persona, (il miglio critico del periodo) , dopo aver visto i ritratti della famiglia in casa Anguissola decretò che fossero:

«tanto ben fatti che pare che spirino e siano vivissimi»

fonte web

la sorella Lucia 

Dopo aver acquisito notorietà nel Cremonese, si trasferisce a Milano, grazie alle raccomandazioni del padre, e alle sue capacità,

viene riconosciuta e apprezzata dalle più grandi corte europee.

arciduchessa Johanna von Austria 

Riuscì ad entrare nel prestigioso circolo artistico, del Duca d'Alba, il quale la raccomandò al re spagnolo Filippo II, che la invitò alla sua corte come dama di compagnia della moglie, Elisabetta di Valois.

Isabella de Valois

Tra le due donne si instaurò un rapporto talmente buono, che la regina, anch'essa pittrice dilettante, decise di farsi impartire delle lezioni.

Sofonisba, oltre a dama di corte, divenne anche la ritrattista di corte, realizzando moltissimi ritratti per la corte spagnola, inclusi quelli della principessa Juana e dell'infante Don Carlos,

 aveva il dono di catturare, e mettere sulla tela le caratteristiche fisiche e psicologiche di ogni personaggio, con vivacità, raggiungendo livelli di tecnica altissimi, gli sfarzosi guardaroba regali, venivano riprodotti con dettami elaborati e finissimi.

I ritratti che eseguì della regina Isabella di Valois prima e dell’imperatore Filippo II poi, oggi sono entrambi al Prado di Madrid;

Il sovrano fu così impressionato, dalla somiglianza di entrambi i ritratti, da premiare la pittrice con una rendita annua di 200 scudi. Col tempo però Sofonisba seppe farsi apprezzare non solo per il talento artistico, ma anche per le doti umane, quelle doti che la spinsero a restare alla corte, anche dopo la morte della regina Isabella, per prendersi cura delle due figlie di lei.

Elisabetta di Spagna 

Lavorò a stretto contatto con Alonzo Sanchez Coello, esponente importante del Rinascimento Spagnolo, tanto che generare alcune confusioni, sull'attribuzione di alcune opere, Un caso su tutti, il ritratto di Filippo II esposto al museo del Prado era stato considerato un'opera del Coello, mentre gli studi recenti hanno smontato questa tesi attribuendo l'opera ad Sofonisba Anguissola.

Con il benestare della corte, contrasse matrimonio con il nobile Francisco de Moncada, figlio del principe di Paternò, e vicerè di Sicilia , la coppia visse felicemente tra la Spagna e la Sicilia , frequentando anche il movimentato ambiente culturale siciliano, il matrimonio durò solo cinque anni, a causa della tragica ed improvvisa morte di Fabrizio, in onore del marito, Sofonisba dipinse, come attesta un atto notarile del 1579, una pala d’altare per la chiesa dell’Annunziata di Paternò, raffigurante la Madonna dell’Itria, cui il casato dei Moncada era molto devoto, con la Vergine col Bambino sopra una grande bara.

Rimasta vedova si trasferisce di nuovo a Cremona, durante il viaggio conosce Orazio Lomellino, e contro il parere dei suoi famigliari, si sposò a Pisa, nel 1580, si trasferirono nella città natale del marito, Genova, dove creò una scuola di pittura continuò la sua opera di ritrattistica per le famiglie più facoltose e conosciute ricevendo i numerosi artisti da tutta Europa.

Ritornò a Palermo intorno al 1620, pur avendo un'età avanzata, la lucidità mentale le ha consentito di continuare a dipingere, fino a che i problemi alla vista la resero cieca.

Antony Van Dick, la andò a trovare, il fiammingo la ritrasse in parecchi ritratti personali

ritratto di Sofonisba fatto da Van Dick

 oltre ad una numerosa serie di schizzi, di lei disse:

«ho ricevuto maggiori lumi da una donna cieca che dallo studiare le opere dei più insigni maestri».

Fonte web

Morì pochi anni dopo e nel centenario della sua nascita il marito appose sulla lapide della tomba una iscrizione lodandone la personalità brillante e i meriti artistici.

Fu sepolta a Palermo nella chiesa di S. Giorgio.

Sofonisba non fu mai pagata in contanti, a differenza dei suoi colleghi maschi, ma solo con doni o rendite, mentre sono documentati i pagamenti che per lei ricevettero prima il padre Amilcare e poi il fratello Asdrubale.

Oggi i ritratti di Sofonisba Anguissola, sono esposti nei maggiori musei del Mondo:

dal Prado di Madrid, agli Uffizi di Firenze, con il suo stile, ha influenzato parecchi esponenti del mondo dell'arte,   le sue opere furono studiate attentamente, anche da Peter Paul Rubens , che ne copiò le particolarità cromatiche e formali. Ebbe un ruolo di rompighiaccio, per le donne  in un ambiente difficile come quello delle arti figurative, il suo impegno è importante e fu rilevante, per portare alla ribalta  in periodi diversi, eccellenti pittrici come Lavinia Fontana, Fede Galizia, e Barbara Longhi, spianando la strada ad un’ulteriore partecipazione femminile nel mondo dell’arte.

UVA PASSA O SULTANINA ?

Spesso confondiamo l'uva passa e l'uva Sultanina

Sono due ingredienti uguali, ma diversi..

Uva passa, è un ingrediente da tenere sempre in dispensa, per ricette di dolci, o di spuntini veloci è molto utilizzata per secondi di carne o pesce.

baccalà con uvetta e pinoli

Le caratteristiche sono uguali per tutti e due i prodotti cambiano solamente le tipologie di vitigni.

E' una varietà specifica di vite, coltivata per lo più in Sicilia la caratteristica di questo tipo di uva è quella di essere molto ricca di zucchero e di non contenere semi, così gli acini vengono sottoposti ad essicazione

Sono tre i tipi di uva passa principali che variano a seconda dell'uso in cui sono impiegati in cucina:

Dal web :

– la passolina  che è l’uvetta di Corinto, assomigliante ad un grano di pepe nero, dal gusto lievemente acidulo-dolciastro e senza semi. In prevalenza viene coltivata in Sicilia, in particolare a Lipari, e in Grecia. Ed è questa qualità che viene adoperata in cucina, in special modo nei cibi salati;

– l’uva passa di Pantelleria che viene ricavata dall’uva zibibbo o moscato di Alessandria di quei luoghi. Questa qualità è di colore bionda, è caratterizzata da una grana più grossa (dell’uvetta di Corinto) e dal suo gusto dolcissimo. Questa viene utilizzata esclusivamente in pasticceria;

– l’uva passa, che in Sicilia chiamano  passùla, ricavata da altri tipi di uva e che, anch' essa è sprovvista di semi, è di color chiaro e di grana più grossa delle altre. Il suo gusto dolce meno intenso permette di utilizzarla in pasticceria ma anche per pietanze salate.

Per ottenere un chilo di uva passa occorrono quattro o cinque chili di uva fresca, il risultato è che i contenuti di zucchero sono molto concentrati, tanto che nel passato sostituiva le odierne caramelle.

Se la conservazione si protrae per lunghi periodi, lo zucchero contenuto negli acini si cristallizza, e risulta sabbioso, ma è sufficiente mettere gli acini in acqua tiepida, affinchè questi acquisiscano le caratteristiche di reidratazione e quindi di normalità.

L' UVA SULTANINA

L'uva sultanina è una coltivazione che ha molta storia, viene nominata in testi molto antichi.

Sembra sia originaria della Grecia e della Turchia, la cernita per seminare e accudire questa specifica tipologia, nel corso di tanti secoli è il frutto di una cernita meticolosa, tanto che la Sultanina è una varietà antica della specie Vitis Vinifera.

Una fitta produzione di ceramiche e di monete antiche raffiguranti grappoli d'uva che per la loro forma riportano a uve di tipo Corinto o Sultanina. 

L'uva sultanina venne importata in Europa per la prima volta dagli inglesi, quando ne appresero l'esistenza durante i rapporti commerciali con l'Impero Ottomano. Il nome "sultanina" deriva infatti da "sultano". La leggenda narra che il un Sultano abbandonò un grappolo d'uva per sfuggire ad una tigre, quando tornò a riprenderlo era asciugato al sole, diventando color oro e molto più buono.

Si presta molto bene all' essicamento, ha un colore giallo-dorato, si trova più comunemente ed è coltivata anche in Italia;

Con l'uva appassita al sole, sulla pianta, vengono prodotti diversi vini dolci, definiti vini passiti.

Tutte due le uve, si abbinano alle spezie mediorientali come cannella e vaniglia, ma anche alla carne di maiale, e al pesce, crostacei in particolare  e tanti dolci

torta greca bugatsa con uva sultanina 

Bulgur uva sultanina e mandorle con gelato al torroncino ai pistacchi 

torta all'uva sultanina 

IL CORREGGIO

Sono rimasta a bocca aperta, con il naso all'insù, mentre una gentile signorina, che ci faceva da guida, ci stava spiegando i particolari della volta e delle pareti della camera della Badessa nel monastero di San Paolo di Parma.

La volta dipinta dal Correggio è il primo capolavoro ad affresco che il pittore realizza, che servì da trampolino per la creazione di altri capolavori nel decennio che ne seguì....

IL Correggio, Antonio Allegri, è considerato uno dei migliori artisti del 500, nasce a Correggio, in provincia di Reggio Emilia, da cui prende il nome, nel 1489, (la data non è certa), da una famiglia che apparteneva alla media borghesia. E' l'artista meno documentato, di quel periodo, le leggende popolari sulla vita di questo personaggio, si sono susseguite e arricchite di particolari, (spesso non veritieri) nel corso dei secoli. Ha vissuto quasi esclusivamente nel paese natale, e a Parma.

Le difficoltà, nel ricostruire la vita dell'artista, e i suoi percorsi di formazione artistica, sono molte, tanto che molto spesso i più illustri studiosi di arte, danno teorie in netto contrasto tra loro.

Correggio nel 1512, aveva rapporti economici con Francesco Mantegna, figlio di Andrea Mantegna, il maestro, dal quale il Correggio aveva assorbito i caratteri della pittura e della prospettiva.

In un ipotetico viaggio a Roma, che dovrebbe essere stato fatto intorno al 1510,(anche in questo caso le versioni sono contrastanti), avrebbe assimilato le tecniche, le novità di illustri artisti.

Era dunque un uomo, che sapeva scegliere i propri maestri,

a Mantova il Mantegna, a Milano Leonardo da Vinci, a Ferrara il Dosso, e a Piacenza studiò l'opera di Raffaello, la Madonna Sistina che ora è a Dresda.

Nel primo periodo della sua carriera, i lavori del Correggio, sono per lo più ordinazioni di piccoli quadri destinati alle devozioni private.

incoronazione della vergine

annunciazione 

madonna della scodella

adorazione dei pastori

Chiude il primo periodo la pala "Riposo durante la fuga in Egitto con S. Francesco".

Dal 1514 al 1518, Correggio esegue opere molto importanti, A Brera si trova l'Adorazione dei Magi,

 a Modena la Madonna Campori,

 la Zingarella di Capodimonte, 

e la pala Arbinea ormai andata perduta.

Dal 1518 al 1519, la badessa Giovanna da Piacenza, donna di cultura e proveniente da una famiglia ricca, incarica il Correggio di affrescare la propria Camera all'interno del monastero di San Paolo a Parma.

Lo stile architettonico della volta, fatto ad ombrello, viene coperto da una pittura illusionistica.

Al centro del soffitto viene dipinto lo stemma araldico della famiglia della badessa, la scenografia si evolve, lo spazio viene diviso in sedici spicchi con festoni di frutta sostenuti da nastri annodati,

negli spicchi sono dipinti sedici ovali, dai quali si affacciano putti semplicemente splendidi, che giocosamente si dedicano ad azioni di caccia, 

alla base degli spicchi troviamo delle nicchie, anch'esse dipinte, con l'effetto della prospettiva l'impressione della profondità sembra reale, tanto che le statue greche dipinte al loro interno, sono così ben concepite da sembrare realmente di marmo.

Anche la cappa del camino è affrescata con l'immagine di Diana sul carro, Diana rappresenta la dea della caccia ma anche della purezza, come riferimento alla badessa che ha commissionato l'opera.

La decorazione del Correggio da slancio ed eleganza, una sensazione di elevazione verso l'alto, che è quello che colpisce l'occhio di chi visita questo gioiello del Rinascimento.

Si trasferì nel 1524, a Parma, sfruttando gli studi sulla prospettiva realizzò la cupola della chiesa di San Giovanni Evangelista,

 con la nuova tecnica, l 'illusione creata dalla composizione libera degli scorci del paesaggio o di cielo, si alterna con il modo movimento a volte vorticoso delle figure, diventa una novità, con questi affreschi, iniziò la fama e il successo ad Antonio Allegri, ebbero inizio importanti commissioni.

Raggiunse una perfetta armonia di movimento e di colori negli affreschi della cupola del Duomo di Parma.

Per coloro che si apprestano ad ammirare l'Assunzione della vergine, non è possibile descrivere in poche parole quanto sia bella, la sensazione che si prova alzando lo sguardo su quest'opera davvero magnifica è di stupore, un tripudio di Santi, angeli , Adamo ed Eva e la vergine che si eleva fino al cielo

particolare della Madonna che si eleva al cielo accompagnata sostenuta dagli angeli